Gereifter Punk in Endzeitstimmung

English Version

Für viele, die in den späten 80ern und frühen 90ern geboren worden sind, werden bei dem Namen „Billy Talent“Erinnerungen an die Teenagerjahre aufkommen. Gute Nachrichten, seit heute gibt es ein neues Album.

Seit Surrender ist die kanadische Punkrock Band im Mainstream angekommen oder diesem zumindest ein Begriff. Heute, am 29. Juli 2016 ist ihr neues Album Afraid of Heights herausgekommen und auch ohne Drummer Aaron Solowoniuk (er wird momentan aufgrund seiner Multiplen Sklerose durch Jordan Hastings von Alexisonfire ersetzt) ist es eines der aggressivsten und kritischsten Werke, die die Gruppe je veröffentlicht hat.

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Zwei Jahre haben sich die Kanadier Zeit für das Album genommen und das merkt man. Nicht nur ist die Gruppe, die sich selbst im Punk einordnet, jedoch oft auch ins Alternative abrutscht, experimentierfreudiger, als noch auf dem Vorgänger Dead Silence, sie haben sich die Welt angesehen, den Kopf geschüttelt und dann mit Afraid of Heights ihren Kommentar dazu abgegeben. Mehr noch als sonst werden hier große Themen angesprochen, wie etwa die Flüchtlingskrise, die Waffenlobbys in den USA oder die US-Wahlen und wie man es nunmal von Billy Talent gewohnt ist, sind sie direkt, wütend und haben kein Problem, ihrem Ärger laut und aggressiv Luft zu machen, auch mit über vierzig.

Songs wie Big Red Gun, Ghost Boat Of Cannibal Rats (wohl eine Anspielung auf das russische Schiff, das nur noch von kannibalistischen Ratten bewohnt ziellos im Meer nahe Großbritannien herumziehen soll, ich denke die Metapher ist klar), Horses & Chariots und This Is Our War ziehen alle Kaliber und klagen bissig die sozialen, politischen und gesellschaftlichen Missstände an, mit denen wir heute konfrontiert sind. Obwohl die Gruppe sich dabei hauptsächlich auf Amerikanisch-Kanadische Politik beziehen, kann man als Europäer in den Texten von letzteren beiden nicht anders, als sich zu identifizieren. Die politische Spaltung ganzer Länder durch populistische Politiker ist nun mal in Zeiten wie diesen kein amerikanisches Phänomen und Billy Talent schafft es, einen kämpferischen Protest zu formulieren, der über die konkreten Fälle hinausgehen kann.

Doch es wäre nicht Billy Talent, wenn zwischendurch, quasi zur Auflockerung, nicht mal ein bisschen Spaß sein dürfte. So findet sich in der Verschnaufpause etwa ihre ganz eigene Hymne an klassische, „handgemachte“ Rockmusik Louder Than The DJ, was eine besondere Ironie in die Platte bringt, da die Band sich bereits ein paar Titel weiter an Synthesizern versucht und es damit schafft, ihrem eignen, schwer verwechselbaren Sound eine neue Tiefe zu geben.

So aggressiv und wütend das Album auch ist, das bereits mit einem gestreckten Mittelfinger verglichen wurde, es gibt sich und dem Zuhörer Raum um zu verdauen. Ruhigere Nummern, wie Leave Them All Behind runden das Album genauso ab, wie February Winds, eine vorerst unscheinbare Nummer, die sich jedoch schnell zu einer der ausdrucksstärksten des ganzen Albums herausstellt, wenn man einen Blick auf den Text wirft, der sich mit den Flüchtlingsschicksalen  und der Reaktion des Westens darauf beschäftigt.

Ein Protestalbum hat Billy Talent da produziert, in einem Alter, in dem man nichts neues mehr erwarten würde. Jeder Titel ist sein eigener Aufruf, aktiv zu werden und etwas an dem zu ändern, wie es gerade ist und für das zu kämpfen, was einem wichtig ist. Das, was viele Musiker bereits aufgegeben haben, nämlich eine klare Message in ihre Arbeit zu verpacken, ist den Kanadiern mit Afraid Of Heights gelungen, ohne ihren ganz eigene Klang hinter dem Text zurückzunehmen.

Dass die Gruppe inzwischen schon seit beinahe einem Vierteljahrhundert besteht, hält sie offensichtlich nicht davon ab, sich weiterzuentwickeln, neues auszuprobieren und noch einmal unter Beweiß zu stellen, was Punkrock auch heute noch kann.

Wer jetzt Lust bekommen hat, kann sich hier gleich zum Album weiterklicken:

Mature punk rock in an apocalyptic mood

Many who were born in the late 80ies and early 90ies have been accompanied by Billy Talent all the way through their puberty. Good news, they`re back and released their new album only today.

The mainstream was introduced to (or at least noticed) Billy Talent through their probably most successful song Surrender. Today, on 29th of July 2016 their new album Afraid of Heights was released and even though having to manage without their drummer Aaron Solowoniuk (who is represented for the moment by Alexisonfire`s Jordan Hastings due to Solowoniuks multiple sclerosis) the band produced one of their most aggressive and most critical works ever.

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The band took two years to work on the record an that becomes noticeable. Not only is the group, that identifies as punk although sometimes slipping into alternative styles, happy to try out new things, they also took a good glance at the world while working on the album, they shook their heads and commented on the things they saw through Afraid Of Heights. More than ever they focus on big problems, like the refugee crisis, the US elections or gun lobbying in the States. Just like we expect from Billy Talent, they find a direct and angry voice to express their resentment. All of that although being in their 40ies already.

Tracks like Big Red Gun, Ghost Boat Of Cannibal Rats (whicht seems to be a hint on a russian ghost ship that was supposed to be sailing near the UK, occupied only by cannibal rats; I think, I don`t need to mark out the symbolism in here any further), Horses & Chariots or This Is Our War point out social and political deficiencies we have to face today in a harsh and caustic way. Even though the group is of course mainly focusing on the american – canadian problems here, a european can`t fail to notice similarities. Political segregation of whole nations due to populist political leaders is a theme almost everyone in Europe should be able to identify with and Billy Talent actually manages to frame protest songs that surpass their original setting.

However, it wouldn`t be Billy Talent, if there wasn`t some fun in between all the seriousness. There is their hymn to old school „handmade“ rock music Louder Than The DJ for example. This got its own irony, considering that the group is experimenting with sythesizers just a few tracks after. Anyways, the experiment pays off and the group`s own distinctive sound is enhanced by their innovations.

In Germany, the record was already compared to a stretched middle finger and even though the album is really aggressive and cutting in its formulations, the group leaves some room to the listener to process. Softer songs like Leave Them All Behind top the record off just like February Winds which, at first sight, seems to be quite unremarkable. However, this impression changes drastically after taking some time to look at the text, that adresses the refugee crisis and Western countries reaction to it. This track is actually one of the most interesting, in my opinion.

An album of protest songs, that`s what Billy Talent released today, even though being in an age you wouldn`t expect much innovation to happen. Every track is a call to action, to change what bothers you and to fight for the important things in life. A clear message is something that many musicians, exspecially in todays mainstream media fail to express. Still the canadian group succeeded without losing their unique sound in favor of deep texts.

Being a band for almost 25 years now obviously doesn`t stop those guys to develop further, to try out something new and to prove to those who believe that punk is dead, where its actual power lies.

If you are in the mood for the record now, you can listen to it right here:

One month after the Getaway

The californian rock group „The Red Hot Chili Peppers“ has released their 11th studio album The Getaway one month ago. How is it working out so far?

The Red Hot Chili Peppers are known with most people because of songs like Californication, Snow (Hey Oh), Otherside, By The Way or Under The Bridge, that are hard to ignore without cutting out most of the surrounding world.

After a break for 5 years, the new album was released on 17th of June, 2016. In Austria as well as in Germany and Australia the record immediately reached number one in the charts. Now, one month later, The Getaway is still in the Top 5 (at least in Austria).

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However, even with the record being relatively successful, it didn`t strike like earlier works by the Peppers. Actually, one could see the new release as sort of a break with foregone albums.

So, when listening to The Getaway one shouldn`t expect a new version of Californication, Stadium Arcadium or By The Way. To the contrary, the band seems calmer, sort of mellow even, which should not be surprising after 30 years in the business. The band members are all between 50 and 60 now and that is something you can feel while listening to the record. This doesn`t do any harm to the album, though. Its gentleness is its strength, really.

More than ever, there is a concept that can be heared on the record, like a red string connecting one song with the next.just to lace it into a complete artwork. There are no special amplitudes to the songs, they are all on one level, so to speak. Still, there are many catchy tunes to be found on the record, like Sick Love or The Longest Wave. In my opinionthe best way to listen to The Getaway is to listen to the album as a whole, so one can enjoy the concept, but this doesn`t mean that the single tracks can`t hold their ground taken one by one. Every single song can be listened to individually and it`s still impressing.

To get oneself into The Getaway, one should not expect fast funk songs but soft alternative tracks that comprise the bass-focused sound of The Red Hof Chili Peppers.To be concrete, the record sounds more like Porcelain, Snow, Hard To Concentrate, Strip My Mind and other mellow pieces than like Dani California, Give it Away or By The Way.

Those who can warm to a new, older version of the Red Hot Chili Peppers wont be disappointed by The Getaway, which is a solid record even though it passes on funky songs. It`s a record that feels like a roadtrip down the coast lines, like sun, waves and simply a relaxing day in summer.

So, basically, what the Chili Peppers sound like, when they put on a relaxed, unhurried rythm.

Belgian waxwork

In Leopoldmuseum, Vienna you can visit the exhibition „Suture“ by the belgian sculptress Berlinde de Bruyckere.

The name of Berlinde de Bruyckere is well known since the Biennale of 2003 and at the moment, she is one of the most famous sculptors alive. „Suture“ is her first solo exhibition in Vienna and, just like most of de Bruyckere`s work, it is all about the beauty and vulnerability of the human body.

The exhibits are mostly waxwork that explores the corpse in different positions and emotions in a kind of abstract way. The figures poses generate almost physical pain and an intimacy that is barely bearable.

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The sculptures are asking about the relation between life and death, their intimacy and provocation are often even repulsive. One part of the exhibition is, for exemple, a horse sewed out of animal skin. Another one is a piece out of riding tools made from leather and some body parts out of wax.

So, the „seam“ which gives this exhibition its name, is literally part of the bits and pieces the artist is forcing together as well, as it is part of the frontiers, de Bruyckere is showing and surpassing. A seam is also a symbol for something, that was cut open and fixed again, so all that remains as scar are the stitches. You see, the artists work and the title of the exhibition are giving great oppurtunities for interpretation.

You could describe „Suture“ as intimidating, an exhibition one has to get used to. I can imagine that de Bruyckere`s art is not made for everybody. The sort of existential touch to her work is neither pretty nor pleasant, but it can strike a chord, if you are willing to give it a try.

The exhibition is still on until 5th of september 2016 in Leopoldmuseum.

Belgische Wachsfiguren

English Version /French Version

Die belgische Bildhauerin Berlinde de Bruyckere ist momentan mit ihrer Ausstellung „Suture“ im Leopoldmuseum in Wien zu sehen.

Berlinde de Bruyckere`s Name ist spätestens seit der Biennale 2003 ein Begriff und zählt zu den bekanntesten kontemporären Bildhauern weltweit. „Suture“ ist ihre erste Einzelausstellung in Wien und beschäftigt sich, wie Bruyckere`s ganzes Werk mit der Schönheit und Verletzlichkeit des menschlichen Körpers.

Die Exponate bestehen größtenteils aus Wachsfiguren, die, trotz einiger Abstraktion, den Körper in verschiedenen Haltungen und Gefühlen erkunden. Die Positionen der Figuren erzeugen einen fast fühlbaren Schmerz und eine Intimität, die für mich als Betrachter kaum zu ertragen waren.

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Die Skulpturen stellen Fragen nach der Verbindung zwischen Leben und Tod und sind in ihrer Direktheit und Provokation oft beinahe abstoßend. So sind zum Beispiel ein aus Pferdehaut/-fell zusammengenähtes Pferd oder Verbindungen aus ledernen Reitwerkzeugen und wächsernen Körperteilen hier zentrale Stücke.

Die “Naht“, nach der diese Ausstellung benannt ist, findet sich also sowohl wörtlich in den Verbindungen, die die Künstlerin zusammenzwingt als auch in den Grenzen, die de Bruyckere aufzeigt und überwindet. Eine Naht steht außerdem für eine Verletzung, die geflickt wird, aber trotzdem klar zu sehen ist. Der Titel und das Werk der Künstlerin lassen, wie man siegt, reichlich Raum für Interpretationen.

Als vielleicht etwas gewöhnungsbedürftig und einschüchternd direkt könnte man “Suture“ bezeichnen und ich kann mir gut vorstellen, dass de Bruyckeres Kunst nicht für jedermann etwas bereit hält. Das Existenzielle, das sie ausdrückt, ist weder schön noch angenehm, aber wenn man sich traut, sich berühren zu lassen, wird die Ausstellung, die noch bis zum 5.9.2016 im Leopoldmuseum zu sehen st, zu einem ungewöhnlich bewegenden Erlebnis werden.

 

Ein Monat nach dem Getaway

English Version

Die kalifornische Rockband „Red Hot Chili Peppers“ brachte vor mittlerweile etwas mehr als einem Monat ihr elftes Studioalbum The Getaway heraus. Wie sieht es denn bis jetzt damit aus?

Die Red Hot Chili Peppers sind wohl den meisten Leuten ein Begriff, an Songs wie CalifornicationSnow (Hey Oh), Otherside, By The Way oder Under The Bridge ist schwer vorbeizukommen, ohne mit Scheuklappen und gewaltigen Wattebäuschen in den Ohren durch das Leben zu gehen.

Nach einer Pause von fünf Jahren kam am 17. Juni 2016 das neue Album der Band heraus, das sich sowohl in Österreich, als auch in Deutschland und Australien bald auf Platz Eins der Albumcharts befand. Jetzt, nach einem Monat, hält sich The Getaway weiterhin in den Top 5 (zumindest in Österreich).

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Trotz des offensichtlichen Erfolgs des Albums, ist es nicht so eingeschlagen, wie andere Platten der Peppers, es markiert mehr eine Abgrenzung ihres neuen Stils zu ihren vorhergegangenen Veröffentlichungen.

Man sollte sich also, beim Anhören nicht erwarten ein neues Californication, Stadium Arcadium oder By The Way vorgesetzt zu bekommen. Ganz im Gegenteil sogar. Die Peppers wirken gesetzter, vielleicht sogar reifer, was nach über 30jährigem Bestehen ja durchaus erlaubt sein muss. Die Bandmitglieder gehen mittlerweile alle auf die 60 zu und das hört man, was allerdings nichts schlechtes ist. Die Stärke des Albums ist sogar gerade, dass es viel ruhiger und sanfter ist, als die oben genannten Veröffentlichungen der Peppers.

Viel mehr als sonst, erkennt man ein Konzept hinter der Platte, einen roten Faden, der sich durch die einzelnen Songs durchzieht und sie zu einem Gesamtkunstwerk schnürt. Kaum einer der Titel hebt sich übermäßig von den anderen ab und trotzdem herrscht hohes Ohrwurmpotential vor, gerade bei Titeln wie etwa Sick Love oder The Longest Wave. Denn auch wenn das Album in einem durchzuhören, meiner Meinung nach, die beste Art und Weise ist, die Titel zu genießen und so den Gesamteindruck auf sich wirken zu lassen, können die Songs trotzdem auf eigenen Beinen stehen, ohne sich verstecken zu müssen.

Um sich also auf The Getaway einzulassen sollte man sich keine schnellen Funk-Titel erwarten, sondern viel eher milde Alternative-Songs in typischer, von starken Basslines unterlegter Red Hot Chili Peppers Manier. Oder, um es konkreter auszudrücken: das Album geht eher in die Richtung von Porcelain, Snow, Hard To Concentrate, Strip My Mind und ähnlichem, als in die von Dani California, Give It Away oder By The Way.

Wer sich damit anfreunden kann, der wird von den neuen, älter gewordenen Peppers nicht enttäuscht werden, denn The Getaway ist trotz der sanfteren Herangehensweise der Band ein solides Album, das sich nach einem Roadtrip entlang an weiten Küsten anfühlt, nach Sonne und Meer und einem entspannten Tag in der Wärme.

Wie die Red Hot Chili Peppers eben klingen, wenn sie einen Gang zurückschalten und in einen gemächlicheren Rhythmus verfallen.

Damaskus im historischen Mosaik

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Wer eine andere Seite von Syrien kennenlernen will, sollte sich die Zeit nehmen und sich über Rafik Schamis Wälzer “Die dunkle Seite der Liebe“ trauen.

Für alle, denen der Name Rafik Schami nichts sagt, erwähne ich hier kurz, dass es sich um einen der wichtigsten postkolonialen Autoren des deutschen Sprachraums handelt. Wieso dieser Mann und das Buch, um das sich dieser Artikel dreht, auch für Leute interessant sind, die sich nicht unbedingt für Literaturgeschichte und -theorie interessieren, liegt daran, dass sich in seinem Roman die Möglichkeit bietet, über ein halbes Jahrhundert syrischer Geschichte mitzuerleben.

“Die dunkle Seite der Liebe“ schreckt auf den ersten Blick durch den Umfang des Texts ab. Tatsächlich muten die mehr als 1000 Seiten des Buchs zuerst einmal wie ein Jahrhundert-Leseprojekt an, kaum ist man aber an den ersten paar Kapiteln vorbei und somit eingewickelt, in Schamis Geschichtennetz, wünscht man sich, dass der Text nicht mehr aufhört.

Schami ist bekannt dafür, in seinen Büchern die berühmt-berüchtigte arabische Erzählkultur aufleben zu lassen, was “Die dunkle Seite der Liebe“ trotz einer klaren Rahmenhandlung zu einem Meer aus kleinen Geschichten werden lässt. Anhand der strukturgebenden Erzählung der Stammesfehde zwischen den beiden Familien Muschtak und Schahin und vor allem der Liebesgeschichte à la Romeo und Julia zwischen zweien ihrer Mitglieder, deckt Schami über ein halbes Jahrhundert syrischer Vergangenheit ab. Von der französischen Kolonialherrschaft, über die Unabhängigkeit bis zu den diversen Militärdiktaturen kann der Leser mitverfolgen, wie sich das Land, das ja beinahe täglich in den Nachrichten ist, dahin entwickelt hat, wo es heute ist.

Als wäre das nicht genug, beschreibt Schami nicht allein seine Protagonisten, sondern nimmt auch mal Abzweigungen, verliert sich in kleinen Alltagsgeschichten von Nebenfiguren und spinnt so ein dichtes Netz an Erzählungen, die zusammen ein sehnsüchtiges Bild von Damaskus, Syrien und der Pluralität der arabischen Gesellschaften ergeben. Zwar dringt durchaus auch Kritik des Exilautors an den strikten Regeln und Gesetzen und den Religionskonflikten, die ihn selbst zwangen, das Land zu verlassen, durch, aber gerade das macht das Mosaik, das er entwirft, so stimmig.

Das Gefühl, das der Autor der Leserschaft von seiner Heimat vermittelt, ist nicht verklärt, das Bild ist nicht perfekt und einige Steine des Mosaiks sind angekratzt und zerbrochen, vielleicht auch falsch bemalt. Viel mehr ist sich Schami der Fehler und Ungereimtheiten der Region bewusst und geht abgeklärt daran, uns diese Welt zu zeigen, was nicht bedeutet, dass er findet, dass man ihr den Rücken kehren sollte.

Schami hat hier eine eindringliche Liebeserklärung an Syrien und Damaskus geschrieben, einer Welt, die erstaunlich erschreckend, verzaubernd wunderlich und auf verträumte Weise niederschmetternd real ist. Das Märchenhafte, das auf die geschickteste Art mit dem brutalen Alltag eines zerrissenen Landes verwoben wird, macht “Die dunkle Seite der Liebe“ zu einem so eindrücklichen Roman, dass man sich im Nachhinein schwer von seinem Zauber losreißen kann.

Gerade heutzutage sollte man sich wohl über den Tellerrand beugen und sich die Zeit für einen Schmöker wie diesen nehmen, um einen Ausflug in die Mentalität und Geschichte eines Staates zu machen, der als eine der größten, existenten Problemzonen vermutlich noch die nächsten paar Jahre Politik und Medien dominieren wird.

Traut euch einfach und schlagt mal die erste Seite auf. Ihr werdet es nicht bereuen, das garantier ich.

Die vielen Fehler der Buchverfilmungen

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„Carol“ wurde, als er herauskam, mit so gut wie allen großen Filmpreisen ausgezeichnet. Ein kurzer Vergleich mit dem Roman sorgt aber schnell für Ernüchterung.

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Als 2015 das lesbische Drama „Carol“ von Todd Haynes in die Kinos kam, wurde es als Durchbruch des queeren Kinos gefeiert, man kam unmöglich an dem Film vorbei, auch wenn man es versucht hat. Dass dem Hit ein Roman der amerikanischen Autorin Patricia Highsmith zu Grunde liegt, ist vielen nicht bewusst gewesen und wer sich nach der Konsumation des Films auf den Text eingelassen hat, war wohlmöglich schwer enttäuscht.

„Der Preis von Salz“, wie Highsmiths Original eigentlich heißt, ist nämlich, ganz im Gegensatz zu der Haynes`schen Verfilmung kein Familien- und Ehedrama mit lesbischen Untertönen, es kann viel mehr als Coming-of-Age-Roman verstanden werden, der im Sinne der psychologischen Schriftstellerei, die die Amerikanerin betrieb, kaum Wert auf Kitsch und Dramatik legt.

Die Stärken des Films sind gleichzeitig seine Schwächen, wenn es um einen Vergleich mit dem Buch geht, nämlich die Darstellung der beiden Protagonisten und vor allem Carol. Der Text ist aus der Perspektiven von Therese geschrieben, einer 19jährigen Bühnenbildnerin (wird im Film zu einer Fotografin), die ihre erste große Liebe mit einer Frau erfährt und durch die Schwierigkeiten ihres Zusammenseins erwachsen wird.

Der Figur Carol bleibt darin, obwohl sie natürlich das Denken Therese` füllt, meist im Schatten, über ihr Familienleben erfährt der Leser lediglich verspätet in Form von Dialogen, ab und zu kommen sogar Zweifel an der Verlässlichkeit der Erzählerin auf. Niemals, bis zum Ende des Romans, bricht Carols beinahe mythische Hülle auf, was auch nicht nötig ist, da sie nicht im Fokus des Textes geht. Highsmith entdeckt viel mehr das Wesen von Therese, als das ihrer Geliebten, sie interessiert sich dafür, wie ein beinahe gefühlloses junges Mädchen beginnt, ihren eigenen Willen zu entwickeln und sich selbst zu entfalten, nicht für eine bisexuelle, fertige Frau mit Scheidungsproblemen (wobei Highsmith hoch angerechnet werden muss, dass sie Carol nie als lesbisch darstellt, sondern immer als interessiert an beiden Geschlechtern, was, wenn man sich die Marginalisierung ansieht, die Bi- und Pansexuelle Menschen heute noch durchmachen, nicht selbstverständlich ist).

Gerade durch die Konzentration auf Therese und die absichtliche Vermeidung eines zu tiefen Eintauchens in Carols Leben, vermeidet Highsmith das Entstehen von Kitsch. Der Text wird sogar umso realistischer, je mehr sie sich von Therese` Geliebten fernhält. Allein die Gedanken der 19jährigen erzeugen die Dringlichkeit, die trotz der langsamen Entwicklung der Beziehung der beiden Frauen beim Leser empfunden wird. Man kann das Erwachsenwerden der jungen Therese ruhig mitverfolgen, ohne sich zu langweilen, trotz fehlender hochromantischer  Szenen und genau da liegt die Stärke des Buches. Erst durch die Trennung von Carol und Therese` Unabhängigkeit wird im Endeffekt der Boden für eine richtige Beziehung zwischen den beiden geebnet, das Abhängigkeitsverhältnis, das am Anfang entsteht, wird aufgebrochen und an dem Punkt, wo sich zwei erwachsene, freie Menschen treffen, kann eine Zusammensein funktionieren. Diese finale Aussage könnten sich noch einige kontemporäre Romane von diesem Buch aus den 1950ern abschauen.

Der Film konzentriert sich im Gegensatz dazu viel mehr auf Carol und ihr Leben als „lesbische“ Frau in einer Ehe mit einem Kind. Therese verschwindet in ihrer Darstellung beinahe hinter Carol, deren Scheidungs-, Outing- und Familienprobleme den Hauptfokus der Handlung besitzen. Wenn Therese` Leben dargestellt wird, dann mit übertriebener Symbolik und vielen küchenphilosophischen Gesprächen über die Liebe. Ihre Seite der Geschichte wird plötzlich ins Kitschige gerückt, so dass die Gespräche zwischen den beiden einen ungewollten Pathos bekommen, der in der Textgrundlage gerade vermieden wird. Man könnte argumentieren, dass Haynes, der an sich kein schlechter Regisseur ist, die andere Seite der Geschichte, eben Carols, herauszukehren, was durchaus als interessante Ergänzung an den Text funktionieren könnte, aber nicht um den Preis, die meisten positiven Eigenschaften des Romans ins Gegenteil zu kehren.

Das soll nicht heißen, dass der Film per se nicht gut gemacht ist, ganz im Gegenteil. Blanchett und Rooney Mara leisten eine eindrucksvolle Performance, ästhetisch ist der Film interessant, das Farbschema, das sich durch den Film zieht, die Schnitte, alles ist faszinierend. Trotzdem versucht der Film am Ende des Tages zu sehr, ein Kunstfilm zu sein, ohne diesem Ziel gewachsen zu sein. Er ist zu kommerziell in seiner Thematik (was auch an dem gesetzten Fokus liegt), zu direkt in seiner Symbolik (man siehe zum Beispiel den Einsatz von Fotografie oder die Bedeutung des Ortes „Waterloo“ im Film) und zu dramatisch in seiner Geschichte. Es reicht nicht, dass Carol sich, um ihre Tochter sehen zu dürfen, von Therese trennt, nein, sie muss auch noch in Psychotherapie gehen. Dass Therese keinen Kontakt zu Carol haben kann, genügt nicht, es braucht Szenen von einer weinenden Carol und verzweifelte Gespräche über ihre Beziehung, damit auch wirklich der letzte Zuseher verstanden hat WIE traurig und schlimm das ist, was den beiden angetan wird.

Diese Überspitzung nimmt dem Film sein Potential, das er durch die Vorlage, den an sich ganz und gar nicht kommerziellen Regisseur, die Schauspieler und vieles mehr gehabt hätte. Schade, dass man das nicht ausgenutzt hat, ich denke nämlich nicht, dass ein bisschen weniger Melodrama dem Film geschadet hätte, auch was seinen Erfolg angeht.

 

Teeblätter, Tierzeichen und das Belvedere

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Ai Wei Wei, der momentan wohl berühmteste chinesische Künstler, stellt in Wien aus

Translocation – Transformation heißt die Ausstellung des chinesischen Konzeptkünstlers, den ich hier nicht weiter vorstellen werde, da er momentan in aller Munde ist, zumindest für Leute mit Zugang zu österreichischem Fernsehen.

Und das zu Recht. Die zwei Bereiche, in denen ausgestellt wird, also das 21er Haus und das Belvedere, sind zwar ein Stück voneinander entfernt, aber es lohnt sich alle mal, nachdem man den Freiluft- und damit auch gratis Teil – gesehen hat, nochmal die paar Euro zusammenzukratzen und sich auch die überdachte Ausstellung anzusehen.

Eines der Hauptstücke stellt der Ahnentempel einer Teehändlerfamilie dar, der noch aus der späten Ming-Dynastie stammt und zu großen Teilen im Wiener 21er Haus aufgebaut wurde. Innerhalb des modernen Museums wirkt die gewaltige Holzkonstruktion durch den Kontrast mit der Umgebung befremdlich und dadurch noch imposanter. Für einen westlichen Betrachter ist nichts daran vertraut und wer denkt, durch die Einrichtung der paar Wiener Chinarestaurants gegen die Faszination und den Detailreichtum dieses antiken Kunstwerks gefeit zu sein, der irrt gewaltig. Selbst nach einer Stunde ist immer noch etwas Neues in den Verzierungen dieses Tempels zu finden.

Unterstrichen wird die Wirkung der Holzkonstruktion durch Häuser aus gepressten Pu-Erh-Tee auf einem Teppich von losen, getrockneten Blättern der Pflanze. Damit sich die gesamte Bedeutung dieses Exponats entfaltet, ist es nötig, sich ein die Geschichte des typisch chinesischen Tees anzusehen, der ursprünglich in verschiedene Formen gepresst wurde, um ihn bis zu fünf Jahre reifen zu lassen, was dann für seinen besonderen Geschmack gesorgt hat. In den 1970ern begann man, den Tee mit anderen Verfahren zu behandeln, so dass der Tee schneller produziert werden konnte. Seit diesem Zeitpunkt etwa ist er auch ungepresst zu finden. Genauso wie der antike Tempel aus einer großen Kultur stehen also die gepressten Teeblätter in der moderneren Version ihrer selbst (das 21er Haus wurde eigentlich als Pavillon konzipiert, für die Brüssler Weltausstellung 1958, während die Ahnenhalle über viele Jahre als solcher genutzt wurde).

Das letzte Ausstellungsstück des 21er Hauses findet sich in einer Fläche bestehend aus abgeschlagenen Tüllen chinesischer Teekannen, die nicht nur ein weiterer Querverweis auf die zerstörte Kultur und den Ursprung des Ahnentempels sind, sondern durch ihre Form von Weitem auch an Knochen erinnern.

Ai Wei Weis Ausstellung beschäftigt sich mit dem Verlust der eigenen Kultur durch erzwungenen Orts- und damit auch Bedeutungswechsel. Die drei „Teeexponate“ erzeugen auf eindrucksvolle Weise ein Gefühl der Fremdheit und auch Hilflosigkeit, egal ob man vor den zerschlagenen Keramikkannen steht oder von der Imposanz des antiken Gebäudes selbst erschlagen wird. Jedes Ausstellungsstück steht mit den anderen und seiner Umgebung in einem Dialog und besonders die Kannen bauen, meiner Meinung nach, durch ihre Knochenhaftigkeit eine Brücke zu „F-Lotus“, der gewaltigen Installation vor dem Oberen Belvedere.

 

Die „Lotusblüten“ aus den Westen geretteter Flüchtlinge bilden ein F, das wie ein Weg quer über den künstlichen Teich führt. Mit dem Hintergrund des dekadenten Barockschlosses mitten im Herzen von Wien, einer der reichsten Städte der Welt, könnte der chinesische Künstler keinen kräftigeren Ausdruck für seine Kritik an der Flüchtlingspolitik der EU und auch Österreichs finden.

Umgeben wird die Installation von dem „Circle of Animals/Zodiac Heads“, die mit zwölf bronzenen Tierköpfen das chinesische Horoskop darstellt und auf die Zerstörung eben solcher Statuen vor dem Sommerpalast Yuanming Yuan in Peking durch französische und britische Truppen 1860 anspielt.

Die Thematik der Flucht, also des erzwungenen Ortswechsels, und der Verlust der Kultur zieht sich, wie man sieht, durch die Ausstellung Ai Wei Wei`s und bildet gerade durch ihre Intertextualität und die vielen Ebenen, auf denen die Werke mit ihrer Umgebung und untereinander kommunizieren, ein eindrucksvolles Beispiel seiner ganz persönlichen Konzeptkunst, die wohl kaum jemanden kalt lassen kann.

Die Installationen sind noch bis zum 20.11.2016 in Wien zu sehen und jedem, der sich die Tickets für das 21er Haus nicht leisten will, empfehle ich, zumindest die offen zugänglichen Exponate rund um das Belvedere zu besuchen. Es lohnt sich !

Orpheus und Kama oder Wie man auf 600 Seiten die Migration des Rock erzählt

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Musik und Mythos in The Ground Beneath Her Feet von Salman Rushdie

The Ground Beneath Her Feet ist Salman Rushdies siebter Roman und beschäftigt sich, kurz gesagt, mit der lebenslangen Liebesgeschichte der beiden fiktionalen indischen Musiker Ormus Kama und Vina Apsara.

Um kurz über die Form zu sprechen, der Text steht in der Perspektive eines Ich-Erzählers, Urmeed Merchant, genannt Rai, der ein Kindheitsfreund und langjähriger Geliebter von Vina Apsara ist. Wie das nun einmal so mit dichten Werken, wie denen von Rushdie ist, steckt hinter jedem Begriff und Namen, vor allem, wenn sie aus dem Sanskrit übernommen sind, ein bis zwei doppelte Böden. So geben uns hier die Namen der drei Hauptcharaktere Ormus Kama, Vina Apsara und Urmeed „Rai“ Merchant bereits einen ersten Hinweiß auf die beiden Mythen, die Rushdie als Gerüst für seinen Roman gewählt hat: Die griechische Sage um Orpheus und Eurydike und auf der anderen Seite die Geschichte von Kama und Rati aus dem indischen Kulturraum. Aber eins nach dem anderen. Bleibt man strikt bei den Namen der drei Protagonisten, erfährt man folgendes:

  • Ormus ist einer der Namen eines altpersischen Schöpfergottes, außerdem gibt es eine onomatopoetische (lautmalerische) Ähnlichkeit zwischen Orpheus und Ormus
  • Kama bedeutet „Verlangen“ und ist der Name des hinduistischen Liebesgottes
  • Vina leitet sich von dem indischen Saiteninstrument veena ab
  • Apsara bedeutet im Sanskrit „Nymphe“, wie etwa Eurydike eine ist
  • Urmeed bedeutet „Hoffnung“, was uns besonders in Hinblick auf seine Beziehung mit Vina Einsicht in seinen Charakter gewährt
  • Rai bedeutet König und könnte die erste Anspielung des Textes auf einen Musiker sein, nämlich Elvis Presley, den „King“

Folgt man also nur den Brotkrümeln, die Rushdie mithilfe der Namen seiner Charaktere legt, kann man Ormus als einen Schöpfer und Vertreter der hohen Liebe ausmachen. Tatsächlich wird er innerhalb des Textes als Schaffer aller modernen Musik dargestellt, der bereits bevor Musikstücke veröffentlicht sind weiß, wie sie klingen werden. Als Säugling greifen seine Finger bereits Gitarrenakkorde und als er in seinem Gitterbett singt, schweigen die Vögel und sind verzaubert von seinem Gesang. Außerdem ist er in der Beziehung zu Vina derjenige, der ihr alles opfert, der ihr treu bleibt und sogar mehrmals über Jahre keusch lebt, um ihr seine Liebe zu beweisen.

Vina Apsara deutet mit ihrem Namen dagegen viel mehr auf den griechischen Kulturraum hin, sowohl durch die Erwähnung des Saiteninstruments (Orpheus spielt die Lyra, also das griechische Dependent zur veena) als auch durch den direkten Bezug auf die Nymphe Eurydike. In einem weiteren Schritt kann man allerdings auch Rati hinter „apsara“ entdecken, da Nymphen als körperliche und sehr sexuelle Wesen dargestellt werden. Stellt Kama und damit auch Ormus im Roman die hohe, uneigennützige und heroische Liebe da, so ist Rati, die Göttin der Lust, und auch Vina die körperliche Seite der Medaille. Vinas gesteigerte Libido ist hier der in ihrem Charakter verankerte Ausdruck der beiden Sagengestalten.

Doch wieso gerade diese beiden Sagen? Will man einen Roman über Musik auf Basis alter Legenden schreiben, bietet sich die allseits bekannte Geschichte um Orpheus und Eurydike natürlich an, aber aus welchem Grund entschied sich Rushdie gerade für Kama und Rati als Gegenstück?

Die Antwort auf diese Frage ist das Bild der Höllenfahrt, das ein Hauptmotiv in beiden Geschichten ist. Auf der einen Seite versucht der Sänger Orpheus seine Ehefrau aus dem Hades zurückzuholen und scheitert kläglich, auf der anderen wird Kama von Shiva umgebracht und durch seine Ehefrau Rati wiedererweckt.

Sucht man den Roman nach dem Motiv der Höllenfahrt ab, finden sich schnell drei zentrale „Höllen“, die Ormus bereist, um Vina zu retten, wobei er jedoch ganz orphisch immer wieder scheitert, während seine Geliebte die Fähigkeit besitzt, ihn zu retten. Die erste Höllenfahrt des Ormus ist seine Emigration von Indien nach England, um Vina zu finden, die bereits Jahre zuvor das Land verlassen hat. Zwar kann Ormus an seiner Karriere arbeiten und trägt auf den britischen Piratensendern auf Schiffen zur Rock`n`Roll Revolution bei, er ist aber auch mit Einsamkeit und Rassismus konfrontiert, lebt allein, getrennt von seiner Familie und erfährt große Isolation. Die nächste Höllenfahrt beginnt für Ormus physisch mit einem Autounfall, durch den er jahrelang im Koma liegt und erst durch Vina wieder geweckt werden kann. Durch den Unfall aber wird Ormus, ganz im Sinne von Rushdies Magischem Realismus, auf einem Auge blind für die Welt, in der er lebt und bekommt dafür Einblicke in eine Parallelwelt, die leicht zeitversetzt existiert (und die sich im Laufe des Romans als unsere Realität herausstellt). Dieser Zugang zu einer anderen Welt isoliert Ormus weiter, obwohl er in den folgenden Jahren mit Vina in Amerika zusammenlebt, eine legendäre Band mit ihr gründet und ein Vermögen dadurch verdient. Im Gegenteil, er stürzt immer mehr in Depressionen und entfernt sich weiter und weiter von Vina, sowohl privat als auch beruflich (das wird zum Beispiel durch die Beschreibung der Auftritte ihrer Band „VTO“ deutlich, wo er aufgrund von Gehörschäden nur noch abgekapselt von den restlichen Mitgliedern in einem Glaskasten auf der Bühne stehen kann). Aus dieser zweiten Höllenfahrt wird eine dritte, mit dem plötzlichen Verschwinden von Vina in einem Erdbeben. Daraufhin verfällt Ormus völlig, wird drogenabhängig und sucht unter vielen Doubles seiner Ehefrau nach der Echten, die natürlich bereits tot ist. Aus dieser Hölle wird er schließlich wieder von Vina gerettet, oder zumindest von einer Frau, die wie sie angezogen ist, und ihn erschießt.

Wenn man nun die Ebene der Mythen verlässt und sich auf die Bedeutung der Musik in dem Text konzentriert, fällt auf, dass vor allem im Charakter des Ormus zwei Künstler verbunden werden sollten: John Lennon und Brian Wilson. Ganze Passagen aus dem Leben der beiden Künstler wurden in den Roman übernommen, so hat etwa Wilson, genau wie Ormus, angeblich bereits mit wenigen Monaten enormes musikalisches Talent bewiesen, einen tyrannischen Vater gehabt und war auf einem Ohr taub. Beide haben die Angewohnheit, nach eigenen Angaben Stimmen zu hören (auch wenn Ormus`in der Logik des Buches nicht eingebildet sind), ganze Erzählungen von Studiosessions sind aus Wilsons Leben in den Roman eingeflossen und so weiter . Wie John Lennon beginnt Ormus zur Entspannung Brot zu backen, auch ihm wird in Amerika aufgrund von zu kritischen Texten mit der Abschiebung gedroht und genau wie das historische Vorbild wird er vor seinem Haus in New York, das direkt an den Central Park grenzt, erschossen.

Ormus Kama ist nicht einfach dem Namen nach der Schöpfer der Musik, sein Charakter ist angelehnt an zwei der wichtigsten Musiker des 20. Jahrhunderts und noch dazu an zwei der prägendsten für die moderne Rock und Popmusik. In diesem Sinne kann Ormus sogar als Allegorie an die Entwicklung der Rockmusik verstanden werden, was sich in Rushdies Auffassung auch mit der Migrationsgeschichte seines Protagonisten verbindet.

Migration, Desorientierung und Rassismus sind zentrale Themen, die sich durch Rushdies Werk ziehen und in diesem Fall wird das besonders deutlich, in seiner Verwendung von Rockmusik, um die Isolation und das „Dazwischen“ darzustellen, in dem sich ein Migrant befindet. Rock`n`Roll ist historisch gesehen eine Grenzüberschreitung gewesen, die sich beinahe wie ein moderner Mythos anfühlt und entstand aus einem Gefühl der Deplatzierung heraus, aus einer Mischung vieler verschiedener Einflüsse, die erst um Anerkennung kämpfen mussten. So betrachtet kann man in der Rockmusik leicht eine Migrationsgeschichte erkennen, die in der Figur des Ormus Kama innerhalb des Romans personifiziert wird. Das „Dazwischen“ in dem sich ein Migrant befindet ist nach Homi Bhabha der Platz, an dem Kultur entstehen kann, da gerade dieser „Nicht-Ort“, das „Nicht-Hineinpassen“ nötig ist, um tatsächlich neues zu schaffen. Erst durch die Migration beginnt daher auch Ormus Kama sein Potential auszunützen und schafft es, Musik zu schreiben, die die Welt verändert.

Es geht also in dem Text viel weniger um eine Musikrichtung, als eigentlich um die Frage nach Kultur, Kulturschaffung und kultureller Zugehörigkeit, Themen, die sich öfter in Rushdies Werken wiederfinden lassen. Um es mit seinen eigenen Worten zu sagen: „This book is not a novel about rock`n`roll, but an attempt to respond to the evolution of world cultures in the last half century“ (Rushdie in Le Monde)

Tatsächlich ist einer der wenigen komplett ausformulierten Songs, die Rushdie in den Roman eingearbeitet hat, von U2 vertont worden. Im Sinne der Intermedialität lohnt es sich, mal hineinzuhören, da die Band den Geist des Buches tatsächlich gut eingefangen hat. Die Lyrics unterscheiden sich kaum vom Originaltext, aber es ist trotzdem interessant, beides kurz zu vergleichen (außerdem ist Salman Rushdie im Musikvideo zu sehen). Hier sei also zum Abschluss noch einmal kurz Rushdies Text und U2`s Song angehängt: 

„All my life, I worshipped her.

Her golden voice, her beauty`s beat.

How she made us feel, how she made me real, and the ground beneath her feet.

And now I can`t be sure of anything, black is white and cold is heat; for what I worshipped stole my love away, it was the ground beneath her feet.

She was my ground, my favorite sound, my country road, my city street, my sky above, my only love, and the ground beneath my feet.

Go lightly down your darkened way, go lightly underground, I`ll be down there in another day, I won`t rest until you`re found.

Let me love you true, let me rescue you, let me lead you where two roads meet. O come back above, where there`s only love and the ground`s beneath your feet.“ (S. 475)