Wie viele Menschen passen in 43 Minuten?

Vor zwei Jahren startete die elektronisch angehauchte Indieband Glass Animals mit ihrem Debütalbum Zaba kopfüber hinein in die internationale Musikszene. Mit ihrer zweiten Platte How To Be A Human Being haben die vier Jungs aus Oxford ein weiteres Mal bewiesen, wieso sie dort nicht mehr wegzudenken sind.

Man kann sagen, dass  Glass Animals mit Zaba ihren einmaligen Sound etabliert haben. Die experimentelle Mischung, aus starken Beats, exotischen Trommeln und elektronischen Sounds aller Art macht die britische Indieband unverwechselbar. Es scheint, als hätten die vier Musiker jetzt in ihrem zweiten Album (Veröffentlichung: 26. August) versucht, auch über ihren Klang hinaus neue Höhen zu erreichen, was ihnen durchaus gelingt.

How To Be A Human Being beschäftigt sich thematisch, wie der Titel bereits verrät, mit verschieden Spielarten des menschlichen Lebens, mit verschiedenen Situationen, Personen und Lagen. Hierbei schlüpft Sänger Dave Bayley gekonnt zwischen den Rollen hin und her, mal als gescheiterter Muttersohn, als Lover, Junkie, psychisch gestörte Mörderin oder Stoner Girl. So bunt wie der Regenbogen sind die Charaktere, die Bayley durch die Titel hindurch verkörpert, und mindestens so gewaltig ist die Vielfalt des Geräuschspektrums, das Glass Animals für ihrer Musik verwendet.

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Wie man es aus Zaba bereits gewohnt ist, wird unter den Händen der Gruppe Lärm zu Geräuschen und aus einer Geräuschkulisse ein ganzer Musiktitel. Die typischen Bongoklänge, die oft den treibenden Rhythmus angeben, bleiben auch in ihrem zweiten Album bestehen. Bereits der Auftakt Life Itself ist davon definiert und hypnotisiert den Zuhörer, zieht ihn quasi in die Musik und damit in einen Trip quer durch elf Leben durch.

Dass sich die Kompositionen bald von den tropischen Klängen entfernen, tut keinen Abbruch. Von sensuellen Titeln, wie Take A Slice, die von einem langsamen R&B-Beat dominiert sind, über fast psychedelische Stücke wie Season 2 Episode 3 oder Cane Shuga bis hin zu Nummern wie Mama`s Gun, einem Song über eine psychisch beeinträchtigte Ehefrau, die einen Mord begeht, ein Titel, der einem musikalisch schon die Gänsehaut hochkommen lässt, ist alles dabei. Das Spektrum kennt praktisch kaum Grenzen. Sogar a-capella-Raps wie [Premade Sandwiches], der sich mit dem verzerrten Verhältnis der Konsumgesellschaft zu ihren geliebten Gütern beschäftigt, fügen sich neben leicht funkigen Nummern wie Poplar St ein. Das soll freilich nicht heißen, dass das nahtlos geschieht. Ganz im Gegenteil, oft wirken die Wechsel zwischen den verschiedenen Lebensrealitäten abrupt, aber ich denke bei einer Gruppe wie Glass Animals kann man hier getrost von einer gewissen Absicht ausgehen.

Bei aller Experimentierfreudigkeit, über die sich die Band auszeichnet, bleiben sie sich und ihrem Stil trotzdem treu. Soll heißen: Wer Glass Animals einmal gehört hat, würde sie überall erkennen, momentan sind sie nämlich definitiv eines der Projekte mit dem höchsten Wiedererkennungswert auf der internationalen Musikbühne.

Also, wer sollte sich How To Be A Human Being unbedingt anhören? Ganz einfach: Jeder, der keine Phobie gegen Elektroelemente in seiner Neuerscheinung hat. Nicht nur bietet das Album genügend Leerstellen, um als passionierter Musikliebhaber seine Freude daran zu haben, auch diejenigen, die bloß einen Soundtrack für ihren nächsten Nachmittag mit Freunden auf der Couch suchen, werden hier fündig. Glass Animals drängt sich nicht auf, sondern fügt sich in so gut wie jede Situation ein, vergleichbar mit ähnlich veranlagten Bands (etwa Foster The People), trotzdem kann man die Platte immer wieder hören und wird jedes Mal ein neues Detail entdecken, das davor übersehen wurde.

Spannend, traurig, beängstigend, sexuell, entspannt, aufregend…ganz wie der Albumtitel es verspricht.

 

 

The Enlightened Woman’s Bodice or An Example of Feminist Literary Criticism

German Version

For the average consumer, the term “feminism” typically triggers a defensive reflex. After all, no one wants to be linked to an “androphobic, hypersensitive and totally outdated” ideology. And besides, what does all that have to do with literature in the first place?

Well, for one, such images of an intellectual tradition this important need to be resolved in order to enable a genuine reflection on multiple topics, and also to make interrelations recognizable. And, second, not just all private matters are political, as we know since the 1970s, but also all of literature. Yes, all of literature. Text is a mirror of its time since no author can extricate himself sufficiently from the specific situation of his life to write absolved from all things political. Views, attitudes, opinions, constellations intrude everywhere and create a portrait of specific netting. Considering that the family itself is the smallest political unit, everyone can imagine how history would look without a socially produced framework. In short, literature is congealed politics.

That said as a brief theoretical introduction, we can move along to (queer)feminist approaches. But to keep all that less dry and boring I will relate it to two texts: 1. To Laurie Penny’s “Meat Market: Female Flesh Under Capitalism” as a political foundation, and, 2. Susanne Kubelka’s “Das gesprengte Mieder” (The Blown-up Bodice”), a historical novel set in Enns, Austria, circa 1900.

“Meat Market” is Laurie Penny’s first oeuvre in book form. Published in 2011, the text deals with the female body under late capitalism and describes some of the repressions women are still confronted with to date, including pornography, eating disorders and house work.

Kubelka’s novel, on the other hand, relates the story of Minka, a young girl raised to become a lady of high social status which includes displacement of her female gender into the domestic sphere, intentional denial of education, suppression of any sex education and also wearing a bodice as was the common custom around the fin de siècle.

It is beside the point that a contemporary readers will discover great injustice vis-à-vis the female sex, will grab their heads at the girl’s tragicomic notions and be shocked by the intentional mutilation of a woman’s body by universal societal consensus. The novel’s objective is clearly to shock and make us sigh, of happiness that we no longer live in times like these.

What is interesting above all else about this text are the parallels to modern times that Kubelka points out. But all that becomes apparent only once we start applying feminist theories.

Starkly simplified, Penny recognizes pornography to be often the only means of sex education and, as a result, a means of veiling genuine female sexuality. A child of the 21st century lives in a hypersexualized world that stylizes sexuality to such a degree that nary a realistic image of it is left. Sweat, facial contortions, often humorous intimate moments of true physicality are not conveyed. So a first sexual experience is often approached with an altogether different expectation than reality can offer. Penny relates the example of a young man who expects having to squirt into a woman’s face during intercourse. Given the background of such a strangely ironic mystification of the sexual act it does not even appear absurd that Kubelka sets her narrative in an era where the very ignorance of young ladies was good etiquette. Minka is left in the dark, both about the sexual act and about her own body, just as many young women are today according to Penny.

Here we would arrive at the next point, the alienation of one’s own body and ignorance about it. The most explicitly symbolic and historic form of expression of these phenomena is the bodice, or corset, as it is more commonly known today. Indeed it is the central picture in the novel that limits the protagonists’s freedom of movement, of speech and also of breathing, that artificially disables and literally jails her. Historically speaking, Kubelka’s description of a corset is extremely accurate: this garment, composed of firm fabric, fish bones and/or steel bars in the back, was worn around the fin de siècle in almost all of Europe by 80-90% of women and had immense health consequences that could include premature death. The ideal to be followed was, at least in the Habsburg monarchy, the waist of Empress Elisabeth, said to have been laced down to 32 cm (12.6 inches). A woman’s body was to be wasp-like and resemble an S-line, while it was up to the fashion of the day whether bust or hips were emphasized or laced up as well.

Well, Minka’s aversion and ultimate rejection of the garment sends a subliminal message to readers to make a similar choice. Of course the bodice has long ceased to be a mass phenomenon (even of corsets became increasingly fashionable items and are actually abused as an erotic symbol), but if we follow Laurie Penny, it quickly turns out that deformation of the human, and especially the female, body in modern media has taken up the role once performed by the bodice in society. People are flooded with illusionary images suggesting that a slim and almost boney woman, that is to say, a physically starving, weak woman, is an ideal to aspire to. The suggestive power of the slim craze is today’s bodice to women and it remarkable that Laurie Penny and Susanne Kubelka unintentionally describe the same process, even if the symptoms they talk about are different.

The final point I want to make is the aspect of house work. Even contemporary reality has women systematically relegated, as in the novel’s setting, into the private and domestic sphere. House work remains unpaid women’s work in most cases even now. Laurie Penny shows that explicitly and also the systematic displacement of men into certain groups. While a woman’s pride and aptitude is measured by the cleanliness of her living space, men are not even taught how to perform certain domestic tasks, thus limiting even their ability to assist.

This phenomenon as it confronts us still today has its origin in the rise of bourgeoisie that increasingly banished women into the private sphere. That is the time in which the novel is set. Of course the protagonist liberates herself of these constrictions and comes to lead an independent life outside the limits of her own residence. Kubelka’s heroine thus nips the origin of our contemporary situation literally in the bud and unwittingly sends a signal to her readers, a message or, rather, an appeal.

Of course one could keep waxing for considerable time about texts such as Laurie Penny’s that serves as an example for numerous feminist constructs of ideas and theories, and drill quite a bit deeper than I did here. This brief interpretation is meant to serve as an example for applying feminist theories to literature. Since this line of reasoning is not explicitly about literature, it is often a bit more difficult to see its applications than in the case of texts that are designed to take a scholarly approach to literature. But if one keeps in mind that even fiction can be political and a lot more, there appears often a nexus between text and theory that can even turn a presumptively irrelevant historical novel with much kitsch and orthographical errors into a powerfully expressive text with high potential.

Das Mieder der aufgeklärten Frau oder Ein Beispiel für feministische Literaturkritik

English Version

Für den Autonormalverbraucher sorgt der Begriff „Feminismus“ erst mal zu einer Abwehrreaktion, denn eigentlich möchte sich niemand mit einer „männerverachtenden, überempfindlichen und vollkommen überholten“ Strömung identifizieren. Und überhaupt, was hat das Ganze mit Literatur zu tun?

Nun, zum einen gehören solche Bilder von einer so wichtigen Strömung aufgelöst, damit eine echte Reflexion zu vielen Themen möglich ist und auch damit Verbindungen gezogen und Zusammenhänge erkannt werden können. Zum zweiten ist nicht nur das Private politisch, wie man seit den 70ern weiß, sondern auch alle Literatur. Ja, alle Literatur. Texte sind ein Spiegel ihrer Zeit, da kein Autor sich aus seiner konkreten Lebenssituation genug herauslösen kann, um fern ab von allem Politischen zu schreiben. Überall schleichen sich unbewusst Vorstellungen, Haltungen, Meinungen, Konstellationen ein, die das Bild eines konkreten gesellschaftlichen Geflechts erzeugen. Bedenkt man, dass bereits die Familie die kleinste politische Einheit ist, wird sich jeder denken können, wie eine Geschichte ohne gesellschaftlich produzierte Rahmen aussehe. Kurz: Literatur ist geronnene Politik.

Nachdem das für diese kleine theoretische Einführung festgehalten wurde, können wir zu den (queer)feministischen Ansätzen vorrücken. Damit das alles aber nicht so trocken ist, werde ich mich hierbei auf zwei Texte beziehen: 1. Auf „Fleischmarkt“ von Laurie Penny, als politischen Basistext und 2. Auf „Das gesprengte Mieder“ von Susanne Kubelka, einem historischen Roman, der in Enns um 1900 spielt.

„Fleischmarkt“ ist Laurie Penny`s erste Veröffentlichung in Form eines Buches. 2011 erschienen, beschäftigt sich der Text mit dem weiblichen Körper im Spätkapitalismus und beschreibt einige der Repressionen, denen Frauen auch heute noch ausgesetzt sind. Einige davon sind Pornographie, Essstörungen und Hausarbeit.

Kubelkas Roman dagegen erzählt dagegen die Geschichte des jungen Mädchens Minka, die zu einer Dame von hohem Stand erzogen wird, was die Verdrängung des weiblichen Geschlechts in die häusliche Sphäre, die absichtliche Nicht-Bildung und Unterdrückung jeglicher Aufklärung und auch das Tragen des um die Jahrhundertwende gängigen Mieders beinhaltet.

Dass ein heutiger Leser hier viele Ungerechtigkeiten gegenüber dem weiblichen Geschlecht erkennen, sich bei den traurig-komischen Vorstellungen des Mädchens an den Kopf greifen und entsetzt über die vorsätzliche gesamtgesellschaftliche Verstümmelung des Körpers der Frau sein wird, sei dahin gestellt. Das Ziel des Romans ist es ganz klar, uns betroffen zu machen und uns aufseufzen zu lassen vor Glück, dass wir nicht mehr in diesen Zeiten wohnen.

Was an diesem Text interessant ist, sind vor allem die Parallellen, die Kubelka bewusst oder unbewusst zur heutigen Zeit aufzeigt, was allerdings erst klar wird, wenn wir uns auf feministische Theorien stützen.

Pornographie etwa wird von Penny, stark vereinfacht, als oft einziges Aufklärungsmittel und damit Verschleierung der echten (weiblichen) Sexualität erkannt. Ein Kind des 21. Jahrhunderts hat in einer Welt zu leben, die zwar stark sexualisiert ist, die Sexualität allerdings so hochstilisiert, dass kaum ein reales Bild davon zustande kommen kann. Schweiß, Gesichtsverzerrungen, die oft humorvoll-intimen Momente der echten Körperlichkeiten werden nicht vermittelt, so dass in die ersten sexuellen Erlebnisse mit ganz anderer Erwartung gegangen wird, als die Realität bieten kann. Penny bringt hier etwa das Beispiel eines jungen Mannes, der erwartet, dass einer Frau beim Geschlechtsverkehr ins Gesicht gespritzt werden muss. Vor dem Hintergrund einer so gearteten seltsam-ironischen Mystifizierung des sexuellen Aktes per se wirkt es nicht abwegig, dass Kubelka ihren Roman in eine Zeit setzt in der gerade das Unwissen der jungen Damen zum guten Ton gehörte. Genau wie, Penny zufolge, viele junge Frauen heute, wird die Protagonistin Minka im Dunkeln gelassen, sowohl über den Geschlechtsakt als auch über ihren eigenen Körper.

Hier wären wir beim nächsten Punkt, bei der Verfremdung des eigenen Körpers und das Unwissen über diesen. Die symbolisch und historisch expliziteste Ausdrucksform dieser Phänomene ist das Mieder, oder Korsett, wie es besser bekannt ist. Tatsächlich ist dieses das zentrale Bild in dem Roman, das die Protagonistin in ihrer Bewegungsfreiheit, Redefreiheit und auch Freiheit zu Atmen einschränkt, sie künstlich behindert und wortwörtlich einsperrt. Historisch gesehen ist Kubelkas Beschreibung eines Korsetts sehr wirklichkeitsgetreu: Das Kleidungsstück, dass sich aus festem Stoff, Fischgräten und/oder Stahlstäben im Rücken zusammensetzte, wurde um die Jahrhundertwende in beinahe ganz Europa von 80-90% der Frauen getragen und führte zu enormen gesundheitlichen Folgen, die bis zu einem verfrühten Tod gehen konnten. Das Ideal, das es zu verfolgen galt, war, zumindest in der Habsburgermonarchie, Kaiserin Elisabeths Taille, die sogar bis auf 32 cm geschnürt worden sein soll. Der Körper der Frau sollte wespenartig sein und einer S-Linie folgen, wobei jedoch je nach konkreter Mode die Oberweite und die Hüften betont oder mitgeschnürt wurden.

Nun, in Minkas Abneigung und schlussendlich auch Ablehnung des Kleidungsstücks wird auch eine unbewusste Nachricht an die Leserschaft verschickt, die sich ähnlich entscheiden soll. Natürlich ist ein Korsett schon lange kein Massentrend mehr (auch wenn sich diese Mode immer größerer Beliebtheit erfreut und tatsächlich als erotisches Symbol missbraucht wird), doch wenn man Laurie Penny folgt, ist schnell klar, dass die Deformierung des menschlichen – besonders des weiblichen – Körpers in den modernen Medien den Beitrag des Korsetts in der Gesellschaft abgelöst hat. Den Leuten wird durch illusorische Bilder eingeredet, dass eine schlanke, fast knochige Frau – also eine körperlich verhungernde, schwache Frau –  ein erstrebenswertes Ideal ist. Das Suggerieren eines Schlankheitswahns ist das heutige Korsett der Weiblichkeit und es ist bemerkenswert, dass, obwohl die Symptome andere sind, Laurie Penny und Kubelka hier denselben Vorgang beschreiben, ohne es zu wollen.

Der letzte Punkt, den ich hier ansprechen möchte, ist das Thema Hausarbeit. Dass die Frau im Setting des Romans systematisch in das Private und Häusliche gedrängt wird, ist, was in der Realität heute noch passiert. Hausarbeit ist in den meisten Fällen jetzt auch noch Frauenarbeit und zwar unbezahlte. Hierauf weist Laurie Penny explizit hin und auch auf die beinahe systematische Verdrängung, auch der Männer, in gewisse Gruppen. Der Stolz und die Fähigkeiten einer Frau werden an der Sauberkeit ihres Wohnraums gemessen, während einem Mann oft nicht einmal beigebracht wurde, wie man bestimmte Hausarbeiten erledigt, so dass hier auch die Möglichkeiten zur Hilfe gehemmt werden.

Dieses Phänomen, mit dem wir uns noch heute konfrontiert fühlen, hat ihren Ursprung tatsächlich im Aufstieg des Bürgertums, im Zuge dessen Frauen immer in den privaten Raum verbannt wurden, also die Zeit, in der der Roman spielt. Exemplarisch befreit sich die Protagonistin natürlich aus diesen Zwängen und führt ein freies Leben, außerhalb der eigenen vier Wände. Kubelkas Heldin erstickt die Quelle unserer heutigen Situation also sprichwörtlich im Keim und sendet hiermit, ohne es zu wollen, ein Signal an die Leser, eine Botschaft beziehungsweise eher einen Appell.

Natürlich könnte man mit Texten, wie etwa dem von Laurie Penny, der hier als Beispiel für viele feministische Ideen- und Theoriegebilde steht, noch über lange Zeit so weitermachen und noch bei weitem Tiefer gehen, als ich es hier gemacht habe. Diese kurze Interpretation soll ein Beispiel für die Anwendung feministischer Theorien auf die Literatur sein. Da diese Strömung sich nicht explizit der Literatur zuwendet, ist es oft ein wenig schwieriger, die Anwendungen zu erkennen, als bei tatsächlich literaturwissenschaftlich angelegten Texten, aber hält man sich vor Augen, dass auch Belletristik politisch und noch vieles mehr sein kann, ergibt sich oft ein Zusammenhang zwischen Text und Theorie, der sogar aus einem vermeintlich irrelevanten, historischen Roman mit viel Kitsch und Rechtschreibfehlern ein Text mit starker Aussagekraft und hohem Potenzial machen kann.

 

Friedhofshumor aus Wien

Wem Dolichotis nichts sagt und bei der Erwähnung den nächsten Tab zückt, der sollte sich an dieser Stelle gleich darauf einstellen, dass ich nicht unter die Biologen gegangen bin und daher nicht die auch „Mara“ genannten Pampahasen aus Argentinien meine, wenn ich den diese Anrede im weiteren Verlauf verwende. Im Gegensatz zu den Nagetieren mit direkter Verwandtschaft zum Meerschweinchen, ist Dolichotis nämlich nicht in Argentinien verbreitet, sondern im Internet, genauer gesagt auf einem kleinen Blog aus Österreich, der für alle Literaturbegeisterten experimentelle und erfrischende Kurzgeschichten bereit hält, wie zum Beispiel Regen mit i.

Regen mit i ist der Name des jüngste veröffentlichte Texte von Dolichotis und erzählt von einem Gedanken, mit dem bestimmt die meisten schon einmal gespielt haben: Sex im Freien. Die Ortswahl ist jedoch etwas untypischer und wienerischer als etwa der Strand oder der Wald. Konkret geht es nämlich um Sex auf einem Friedhof.

Was die Geschichte so ungeheim unterhaltsam macht, ist die Art, wie Dolichotis jeglichen makaberen Friedhofsflair oder lustvoll-idealisierte Sexfantasie mit unerwartetem Pragmatismus begegnet. Von einem durchsichtigen Zelt über ein Fliegengitter am Eingang eines Familiengrabes geht die Erzählstimme alle Möglichkeiten durch, wie man diverse Hinderungsmöglichkeiten am Vorhaben eliminieren könnte.

Der trockene, ernsthafte Ton der Geschichte fängt den Leser sofort ein, verzichtet jedoch darauf, obwohl es um Geschlechtsverkehr geht, in Kitsch und Überschwänglichkeiten zu verfallen, was auch gar nicht nötig ist. Die Ernsthaftigkeit, mit der die äußeren Umstände  beschrieben, durchdacht und verworfen werden, führen viel näher an das Thema heran, als detaillierte Beschreibungen es könnten.

Der Rückzug von allem Sexuellen erzeugt erst das humorvoll-ulkige Gefühl, das die Umstände eines Geschlechtsverkehrs (im Freien) viel eher und unverfälschter einfängt, als wir es heute von Hollywoodschnulzen, rechtschreibfehlerdurchfressenen Liebesromanen oder auch der Pornoindustrie kennen. Es vermittelt genau das, was dieser Vorgang im Endeffekt wäre: unbequem, lustig, ein wenig gestresst und definitiv peinlich und insektenzerfressen.

Der feine Humor, der hinter jeder nüchternen Zeile steht, macht diesen kurzen Text in ein paar Zeilen zu einer willkommenen Ablenkung von allen anstrengenden Gedanken, die einem so im Kopf herumspuken. Durch seinen Stil, der an einen Inneren Monolog oder Stream of Consciousness erinnert, also eigentlich mehr eine Assoziationskette ist, als ein herkömmlicher Prosatext, findet der Text schnell seinen Weg in die Aufmerksamkeit des Lesers und durch seine Kürze schafft er es, diese Aufmerksamkeit auch zu halten.

Wer also Lust auf einen experimentellen Blogausflug hat, dem empfehle ich, Regen mit i auszuprobieren und sich hier vielleicht ein neues Abonnement für gelegentliche Unterhaltung aus einer sozusagen „feinen Feder“ zu holen. Unter: https://dolichotinae.wordpress.com/2016/09/10/regen-mit-i/ findet ihr den ganzen Text.

Enjoy!

Nazi-Kitsch und wie man ihm entgegenwirken kann

Das Leben ist schön sticht wie ein Stern aus dem Berg an Spielfilmen über das Dritte Reich, den Holocaust und den 2. Weltkrieg heraus. Wer wissen will, wieso oder sich fragt, was ich mit „Nazi-Kitsch“ meine, sollte dringend weiterlesen.

Wer an Filme mit NS-Zeit Thematik denkt, dem fallen vermutlich (außer man ist zufällig ein Fan von Dokumentationen wie dem Monumentalwerk Shoah) als erstes Titel wie Der Vorleser, Der Junge im gestreiften Pyjama oder auch der relativ neue Die Bücherdiebin ein. Alles Filme, die den Zuseher berühren, ihn auf die Schrecken des Dritten Reiches hinweisen sollen…und alles Filme, die aus einem der schrecklichsten Kapitel der Menschheitsgeschichte ein Kitschfest machen.

Als wäre die Tatsache, dass Millionen an Menschen systematisch ermordet wurden, sei es in Konzentrationslagern, im Krieg oder durch Experimente in entsprechenden Einrichtungen, nicht schlimm genug, brauchen diese Filme ein überdramatisches Element. Anstatt einfach die Schrecken wirken zu lassen, weint der Zuseher viel mehr über die traurige Musik, die Tragik der Freundschaften und Liebesgeschichten, darüber, dass Beziehungen auseinandergerissen werden, aber nicht wegen den Verbrechen, die das NS-Regime an ganzen Bevölkerungsgruppen verübt hat.

Das ist nun mal die Hollywood-Herangehensweise, die die Massen anspricht, denn die Filme verlangen nicht viel mehr, als dem Soundtracks folgend die Emotionen anzupassen und lassen den Zuschauer danach mit demselben Gefühl zurück, wie wenn sie P.S. Ich liebe dich oder  Marley & Ich angesehen hätten, nur dass man sich vielleicht einen Hauch Überlegenheit einbildet, weil man sich ja mit einem „ernsten Thema“ auseinandergesetzt hat – wie oberflächlich das auch immer gewesen sein mag.

Wer jetzt ein Gegenbeispiel für so eine verkitschte Herangehensweise bei Spielfilmen mit NS- Setting haben möchte, dem würde ich Das Leben ist schön empfehlen, einer ganz und gar untypischen, italienischen Komödie, die, als sie herauskam, eine Diskussion darüber lostrat, ob es überhaupt Komödien über gewisse Themen geben darf.

Die bessere Frage ist für mich dabei, warum darf es romantisierte Melodramen über manche Themen geben? Niemals sollten Themen, wie eben der Nationalsozialismus, dafür herhalten, eine Geschichte dramatischer zu machen.

Das Leben ist schön beginnt weit weg von der eigentlichen Thematik: Mit der Liebesgeschichte zwischen dem humoristisch begabten Geschichtenerzähler und Buchhändler Guido und der hübschen Lehrerin Dora, die ihrem zukünftigen Ehemann eben durch seinen clownhaften Witz und seinen Einfallsreichtum verfällt. Diese Handlung nimmt die erste Hälfte des Films ein und, obwohl immer wieder auf den die Charaktere umgebenden Antisemitismus eingegangen wird, liegen diese nicht im Vordergrund und werden von Guido (der Jude ist) mit Witzen abgeschüttelt.

In der zweiten Hälfte des Filmes, Jahre später, als Guido und Dora bereits einen Sohn, Giosuè, haben, wird die kleine Familie schließlich deportiert und, um Giosuè davon abzuhalten zu verzweifeln, erfindet der Vater die Geschichte von einem Geburtstagsgeschenk für den Sohn, einem Spiel, das den „Ausflug“ ins Konzentrationslager darstellt. Am Ende dieses Spiels, wenn ein Team 1000 Punkte gesammelt hat, steht dem Sieger ein echter Panzer als Gewinn zu.

Durch Guidos komisches Talent, wird sein Sohn davon abgehalten, die Schrecken des Lagers als solche zu erkennen und er wird durch die „Spielregeln“ am Leben gehalten, die dafür sorgen, dass er den Soldaten der SS nicht in die Hände fällt.

Obwohl ich hier nicht tiefer auf die Handlung eingehen möchte, klingt nur in dieser kurzen Beschreibung die Tragik an, die nur eine Komödie erzeugen kann.

Achtung: Tragik, nicht Kitsch. Hier besteht der große Unterschied zu den vorhergenannten Filmen. Wenn Guido seinem Sohn vorspielt, Punkte zu sammeln, während er selbst beinahe unter der täglichen Arbeit zusammenbricht, hat das nichts Rührendes, nichts Romantisches. Es ist skurril, man möchte fast Lachen über die Absurdität der Situation, doch gleichzeitig will einen die Tragik dahinter weinen machen.

Das Leben ist schön schafft es, trotz enorm hohem Unterhaltungswert und großen Lachern, den Zuschauer mitfühlen zu lassen. Er fordert ständig, mitzudenken, man möchte kichern, aber das Geräusch erstickt einem in der Kehl und wenn der Abspann läuft, ist es nicht so einfach, diese Gefühle runter zu waschen.

Der Grund dafür ist ganz einfach. Anstatt, dass man Emotionen zusieht, entwickelt man im Zuge des Films selbst welche und sich aus der Welt zu befreien, die Roberto Benigni geschaffen hat, braucht Zeit.

Es klingt ganz einfach, doch wohl auch aufgrund des Respekts, der dem NS-Regime und seinen Schrecken, zurecht, entgegengebracht wird, verfälschen und verkitschen die künstlerischen Aufarbeitungen oft. Schwarze Pädagigik sorgt dafür, dass man glaubt, über so ernste Themen nicht lachen zu können, dabei ist Humor oft der beste Weg, mit schwierigen Dingen umzugehen. Wenn einem das Lachen im Hals stecken bleibt, wenn man berührt wird, durch das Mitfühlen, das Humor verlangt, dann kann auch in einem so begrenzten Medium, wie es im Endeffekt jedes Mittel der Kunst ist, Unaussprechliches ansprechen. Die lächerliche Geschichte um den Clown Guido adressiert die Tragik und den Schrecken des Holocaustes viel eher, als es die ernste Liebesgeschichte in Der Vorleser etwa tut, weil dem Zuseher erst durch die Absurdität der Handlung, die zum Lachen führt, ermöglicht wird, unausgesprochen die vorgehenden Abscheulichkeiten zu erfühlen.

Fazit: Ich hasse wenig mehr als Nazi-Kitsch und wer meine Kritik am Mainstreamkino für sich selbst noch einmal prüfen will, dem empfehle ich, sich Das Leben ist schön anzusehen und ihn danach mit „ernsten“ Filmen zum Thema zu vergleichen. Ich bin offen für Diskussionen, wenn jemand andere Schlüsse zieht.

Orpheus and Kama or how to relate the migration of Rock`n` Roll on 600 pages

Music and myth in Salman Rushdie’s The Ground Beneath Her Feet

The Ground Beneath Her Feet is Salman Rushdie’s seventh novel and, simply put, it deals
with the lifelong love story of two fictional Indian musicians, Ormus Kama and Vina Apsara.

To speak briefly about form: the text flows from the perspective of a first person narrator,
Urmeed Merchant, called Rai, a childhood friend and longtime lover of Vina Apsara. But as
one often finds in the case of tightly structured creations such as Rushdie’s, there are one or
two additional levels of meaning behind every name and notion, especially in the case of
those adopted from Sanskrit. Here, the names of the three main characters, Ormus Kama,
Vina Apsara and Urmeed “Rai” Merchant already provide the first hint to the two myths
Rushdie chose as framework for his novel: the Greek saga of Orpheus and Eurydike on one
hand and the Indian story of Kama and Rati on the other. But first things first. If one just sticks to the names of the three protagonists, they reveal this:

  • Ormus is one of the names of an ancient Persian creator deity. There is also an onomatopoeic affinity between Orpheus and Ormus.
  • Kama means “desire“ and is the name of the Hindu god of love.
  • Vina is derived from the Indian stringed instrument veena.
  • Apsara signifies a nymph in Sanskrit, such as Eurydike
  • Urmeed means “hope“, it gives us a glimpse into his character, especially in view of his
    relationship with Vina.
  • Rai means “king“, it could be the first allusion in the text to a musician, namely Elvis Presley, the “king.”

Even if one just were to follow the bread crumbs laid out by Rushdie through the names of his
characters, one can readily identify Ormus as a creator and as a representative of superior
love. In fact, the text presents him as the creator of all modern music who already prior
to their publication, knows the sound of several pieces to be released. As an infant, his fingers already do guitar riffs and when he sings in his crib, the birds fall silent, spellbound by his song. In his relationship with Vina he is the one who sacrifices all to her, is faithful to her and even repeatedly lives a chaste life for years to prove his love to her.

Vina Apsara’s name, on the other hand, points much rather to the Greek cultural sphere, both
by mentioning the stringed instrument (Orpheus plays the lyra, the Greek equivalent to veena)
and by immediate reference to the nymph Eurydike. But in a further step one may also detect Rati behind “apsara” since nymphs are presented as physical and highly sexual beings. If
Kama and thereby also Ormus represents superior, selfless and heroic love in this novel, then
Rati, the goddess of pleasure, and also Vina are the bodily flip side of the same coin. Vina’s
elevated libido gives expression to the two legendary figures rooted in her character,

But why exactly these two tales? The universally known saga of Orpheus and Eurydike does,
of course, readily offer itself to an author of a novel on music based on ancient legends, but
why exactly did Rushdie decide on Kama and Rati as its counterpart?

The answer to this question is the vision of the ride to hell, a principal theme in both stories.
On one hand, Orpheus the singer strives to recover his wife from Hades and fails miserably,
while on the other hand, Kama is killed by Shiva and reawakened by his wife Rati.

Perusing the novel for rides to hell, we quickly discover three central “nether worlds” Ormus
visits to save Vina, but in true Orpheus mode, he always fails while his beloved has the ability
to save him. Ormus’ first trip to hell is his emigration from India to England to find Vina who
already left the country years earlier. While Ormus manages to work on his career and
contribute to the rock ‘n’ roll revolution on ship-based pirate radio stations, he still faces
loneliness and racism, lives apart from his family and experiences a great deal of isolation.
His next ride to hell begins for Ormus when he suffers a car accident putting him into a coma
for years, only to be reawakened by Vina. But by this accident, Ormus turns blind on one eye
to the world he lives in, well in accordance with magical realism, and in exchange he gains
insights into a parallel world that exists with a bit of time delay (and which turns out to be our
reality over the course of the novel). This access to a different world further isolates Ormus
although he lives with Vina in America throughout subsequent years, forms a legendary band
with her and earns a fortune. But, on the contrary, he succumbs to increasingly deeper
depression and distances himself more and more from Vina, not only privately but also
professionally (this becomes apparent in the description of the performances of their band
“VTO” where, as a result of hearing damage, he can only appear on stage in a glass case
secluded from the other members of the band). This second ride to hell turns into a third one
when Vina suddenly disappears in an earthquake. Thereafter, Ormus wastes away completely,
he develops a drug dependency and keeps searching for the original among the many doubles
of his long-deceased wife. Again he is saved from this hell by Vina, or at least from a woman
dressed like her, who shoots him.

If one leaves the realm of myths and concentrates on the meaning of music in the text, it
becomes apparent that two artists are merged into the character of Ormus: John Lennon and
Brian Wilson. The novel appropriates entire passages from the life of these two musicians.
Wilson, for example, is said to have exhibited enormous musical talent already at few months
of age, had a tyrant father and was deaf in one ear. Both have a habit of hearing voices, by
their own testimony (even if, by the novel’s logic, they are not imaginary in the case of
Ormus), entire stories from Wilson’s life were adapted into the novel and so forth. Just like
John Lennon, Ormus takes up baking bread in order to relax. He, too, is threatened with deportation from America because of overly critical lyrics, and just like the historic original,
he is shot in front of his New York domicile bordering Central Park.

Ormus Kama is not just the nominal creator of this music, his character is based on two of the
most important musicians of the twentieth century that are, on top of it, two of the most
formative influences on rock ‘n’ roll and pop. In that sense, Ormus may even be viewed as an allegory of the development of rock music, which, in Rushdie’s view, jibes with the migrant
history of his protagonist.

Migration, disorientation and racism are central topics that run like a common thread through
Rushdie’s writing, and this becomes especially apparent in his use of rock’ n’ roll music to
represent isolation and the “in-between” a migrant finds himself in. From a historic vantage
point, rock n’ roll was a transgression of borders, born from a sense of displacement, a
mixture of multiple different influences that first had to struggle for recognition. Thus one
may easily find a history of migration in rock music, as personified by the character of Ormus Kama in this novel. According to Homi Bhabha, the “in-between” where a migrant finds
himself is the place where culture may emerge because this very “non-fitting- in” at a “ non-
place” is what is needed to create something genuinely new. So, Ormus Kama only starts to
explore his potential as a result of migration and he manages to write music that changes the
world.

Thus, the text is much less about a style of music than about questions of culture and its
creation, and cultural affinity – topics one comes across quite frequently in Rushdie’s oeuvre.
To put it in his own words: “This book is not a novel about rock`n`roll, but an attempt to
respond to the evolution of world cultures in the last half century” (Rushdie in Le Monde).

In fact, one of the few songs written out in full that Rushdie integrated in his novel has been
set to music by U2. If one is interested in intermediality, it is worth listening to since the band
actually captured the spirit of the book rather well. Lyrics barely differ from the original text
but it is still worth comparing the two (aside from the fact that Salman Rushdie is featured in
the music video). So, here, for good measure, are Rushdie’s text and U2’s song:

„All my life, I worshipped her.

Her golden voice, her beauty`s beat.

How she made us feel, how she made me real, and the ground beneath her feet.

And now I can`t be sure of anything, black is white and cold is heat; for what I worshipped stole my love away, it was the ground beneath her feet.

She was my ground, my favorite sound, my country road, my city street, my sky above, my only love, and the ground beneath my feet.

Go lightly down your darkened way, go lightly underground, I`ll be down there in another day, I won`t rest until you`re found.

Let me love you true, let me rescue you, let me lead you where two roads meet. O come back above, where there`s only love and the ground`s beneath your feet.“ (S. 475)

Tea leaves, signs of the zodiac and the Belvedere

Ai Wei Wei, arguably the most famous Chinese artist of our time, presents an exhibition in Vienna

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Translocation – Transformation is the title of the exhibition of this Chinese conceptual Artist. He bears no introduction since he props up in everyone’s conversations, at least of folks with access to Austrian television.

And rightfully so. The two venues of the exhibition, the 21er House – Museum for Contemporary Art and the Belvedere happen to be at some remove from each other but it is certainly worthwhile to scrape together a few more Euros and also visit the canopied exhibition.

One of the principal exhibits is the ancestral sanctuary of a family of tea merchants from the late Ming dynasty that was reconstructed to a large extent at the 21er House in Vienna. The giant wooden structure is a strange contrast within the environment of the modern museum and strikes the visitor as even more imposing. For a Western observer, none of all that is familiar. Whoever may think to be prepared by the interior of a few China restaurants in Vienna to face the fascination and the richness of detail of this ancient artifact will be hugely mistaken. Even an hour later, the ornaments of this temple keep revealing heretofore undiscovered novelties.

The effect of the wooden structure is underscored by houses made of pressed Pu-Erh tea on a carpet of loose dried leaves of the plant. To see the entire significance of this exhibit unfold, it is necessary to look at the history of typical Chinese tea. It was originally pressed into various forms to let it mature for five years which created its particular taste. During the 1970s, they started to treat tea with different procedures so that it could be produced more expeditiously. Since about that time it can be found unpressed. Just like the ancient temple of a great culture, these pressed tea leaves are shown along with their more modern version (the 21er House was originally conceived as a pavilion for the Brussels World Fair of 1958 while the ancestral sanctuary was used for that purpose over many years).

The last exhibit at the 21er House is an area consisting of chipped-off nozzles of Chinese tea pots, not only a further reference to destroyed culture and the origin of the ancestral sanctuary but, from a distance, also reminiscent of bones.

Ai Weiwei’s exhibition deals with the loss of his own culture as a result of forcible relocation and, as a consequence, a change of meanings. The three “tea exhibits” create an impressive sense of foreignness and also helplessness, regardless of whether one faces destroyed ceramic pots or whether one is bludgeoned by the imposing dimension of the antique structure itself. Each exhibit is in dialog with the others and with its environment. In my perception, it is the pots in particular that, by their boney character, form a bridge to “F-Lotus”, the giant installation before the Upper Belvedere.

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The “Lotus Blossoms” of refugees saved by the West form the letter F that appears like a path across the man-made pond. Contrasting with the decadent baroque palace in the very center of Vienna, one of the world’s richest cities, the Chinese artist could not possibly have found stronger symbolism for his critique of EU and Austrian refugee policy.

The installation is surrounded by the ”Circle of Animals / Zodiac Heads” portraying the Chinese horoscope in twelve bronze animal heads. It alludes to the destruction of this kind of statues by French and British troops in front of the summer palace Yuanming Yuan in Beijing in 1860.

The topic of flight, of forced change of location, and the loss of culture is therefore a leitmotif of Ai Wei Wei’s exhibition and its intertextuality and manifold levels on which the artifacts communicate with their environment and with each other represents an impressive example of his very personal conceptual art that can hardly leave anyone unmoved.

The installations will be on display in Vienna until November 20, 2016. Anyone hesitant to invest in tickets for the 21er House ought at least to visit the freely accessible exhibits around the Belvedere. It is well worth it!

The manifold flaws of adapting books for film

When it was launched, Carol was honored with just about every major motion picture award. But a brief comparison with the novel is a direttissima to disillusionment.

CAROL

When Todd Haynes‘ lesbian drama Carol was released at the box office, it was celebrated as a breakthrough of queer cinema. One could not avoid the movie even if one tried. Many did not realize that the box office hit was based on a novel by American author Patricia Highsmith. Those who indulged in the text after consuming the film may well have been abjectly disappointed.

That is because, contrary to Haynes’ film version, The Price of Salt, as Highsmith’s original was actually titled, is no family and marriage drama with lesbian undertones. Rather, it may be viewed as a coming-of- age novel that, in accordance with the American woman author’s psychologizing literature, placed hardly any emphasis on kitsch and drama.

When it comes to comparing it to the novel, the movie’s strengths are also its weaknesses, especially looking at the portrayal of the two protagonists, especially Carol. The text is written from Therese’s perspective, a 19-year- old stage designer who experiences her first great love with a woman and becomes an adult through the complications of their togetherness.

The character of Carol, although it obviously occupies Therese’s thinking, remains largely in the shadows. Only belatedly, the reader learns of her family life from dialogs, and at times, there are even doubts about the narratrix’ credibility. Never until the end of the novel does Carol’s mythical shell suffer any cracks. It is not necessary because the text is not focused on her. Much rather, Highsmith discovers the character of Therese than that of her lover, she is curious how an almost unfeeling young girl starts to develop a will of her own and to evolve her dimensions, not about a bisexual woman with a troubled divorce. Highsmith deserves great credit for never portraying Carol as a lesbian but always as interested in both sexes. That is by no means par for the course in light of widespread marginalizing of bi- and pansexual people even today.

Precisely by concentrating on Therese and intentionally avoidance of delving too deep into Carol’s life, Highsmith prevents the accrual of kitsch. Her text becomes all the more realistic the more she stays away from Therese’s lover. Just the thoughts of the 19-year- old create the urgency the reader senses despite slow development of the relationship between the two women. One can follow young Therese’s coming of age safely without getting bored, despite great romance, and therein precisely lies the novel’s strength. It is only by Therese’s separating from Carol and her independence that the playing field between the two is evened out, that the dependent relationship between them as it occurred in the beginning is busted open and at the point where two free and adult people meet, togetherness becomes workable. This final conclusion is something quite a few contemporary novels would do well to coopt from this book from the 1950s.

By contrast, the movie focuses much more on Carol and her life as a “lesbian“ woman in a marriage that involves as child. The portrayal of Therese almost disappears behind Carol whose problems with divorce, outing and family are the story line’s principal focus. Whenever Therese’s life is shown, it is overfraught with symbolism and a great deal of kitchen table philosophy about “love.” Her side of the story is suddenly painted with a kitschy hue so that the conversations between the two assume an unintended degree of Pathos carefully avoided in the underlying novel. One could argue that Haynes, not a bad director, wanted to emphasize the other side of the story, that is, Carol’s, and this could turn out to be quite an interesting supplement to the text – but not at the price of turning most of the novel’s beneficial properties into their opposite.

This is not to say that the movie per se was not done well, quite the opposite. Blanchett and Rooney Mara give commanding performances, the flick is esthetically interesting, the color scheme applied throughout the film is fascinating. Nevertheless, it tries to hard to be an art – house film without actually rising up to this ambition. Its theme is too commercial (a fact also based on the chosen focus), too direct in its symbolism (think of the use of photography or the importance of the location of “Waterloo” in the movie) and too dramatic in its story line. It does not suffice that Carol breaks up with Therese to be able to see her daughter, no, she also needs to have psychotherapy. Not enough that Therese may not have contact with Carol, there have to be scenes of Carol crying and desperate conversations about their relationship so that even the last viewer understands just HOW sad and tragic things are being done to them.

This exaggeration deprives the movie of the potential it would have had by virtue of the novel, its fundamentally non-commercially oriented director, the actors and many additional factors. It is a pity that not more was made of that, and I happen to believe that playing a bit less on the melodramatic note would not have hurt the movie’s success, even at the box office.

Damascus – a historical mosaic

If you are curious about Syria’s other side, you might as well dare to digest Rafik Schami’s weighty oeuvre The Dark Side of Love.

If Rafik Schami does not sound like a household name, I’d mention that he is one of the most important post-colonial authors of German language. The man and his book are interesting even to those that are not necessarily interested in the history and theory of literature – because his novel presents an opportunity to relive more than a half-century of Syrian history. At first sight, the sheer length of The Dark Side of Love could frighten readers. And indeed a tome of 1000-plus pages strikes at first like a monumental reading task. But after the first few chapters, the reader is caught up in Schami’s web of narratives and hopes it will never end.

Schami is known for reviving the ancient and notorious Arabic culture of storytelling through his books. Despite a clear framework of a background story, this turns The Dark Side of Love into an ocean of minor yarns. Through the prism of the overarching tale of the tribal feud between the Muschtak and Schahin families and the Romeo & Juliet style love story between two of their respective members, Schami covers more than a half-century of recent Syrian history. Readers can track the country’s evolution from French colonial rule through independence and various military dictatorships to the present day, with almost constant presence in the daily news.

As if this were not enough, Schami not only paints his protagonists but often enough digresses, loses himself in little stories about the daily life of peripheral characters and so he weaves a tight-knit web of anecdotes that altogether form a wistful image of Damascus, Syria and the pluralism of Arab societies. While all this is permeated by the exiled author’s critical comments on the strict rules and laws and religious strife that forced him once to leave his homeland, it also makes his mosaic so coherent.

The sentiments the author conveys to his readers of his homeland is not misty-eyed, the picture is not perfect and quite a few mosaic stones are scratched and broken, or perhaps just painted wrongly. Schami is well aware of the region’s many flaws and inconsistencies. With a detached pen, he presents us with a sketch of this world but does not mean to say that it deserves rejection.

Schami has penned a haunting declaration of love for Syria and Damascus, a world amazingly, terrifyingly, bewitchingly wonderful and yet in a dreamy way shatteringly real. The fabulous, skillfully interwoven with the brutal daily routine of a torn country, renders The Dark Side of Love such an impressionist novel and so difficult to break free from ist magic. In our time, one would do well to peek beyond the rim and take time for an epic legend of this kind, for an excursion into the mentality and history of a state likely to dominate political news as one of the most virulent problem areas still for some years to come.

Dare to turn the first page. I guarantee that no one will regret it.

Gereifter Punk in Endzeitstimmung

English Version

Für viele, die in den späten 80ern und frühen 90ern geboren worden sind, werden bei dem Namen „Billy Talent“Erinnerungen an die Teenagerjahre aufkommen. Gute Nachrichten, seit heute gibt es ein neues Album.

Seit Surrender ist die kanadische Punkrock Band im Mainstream angekommen oder diesem zumindest ein Begriff. Heute, am 29. Juli 2016 ist ihr neues Album Afraid of Heights herausgekommen und auch ohne Drummer Aaron Solowoniuk (er wird momentan aufgrund seiner Multiplen Sklerose durch Jordan Hastings von Alexisonfire ersetzt) ist es eines der aggressivsten und kritischsten Werke, die die Gruppe je veröffentlicht hat.

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Zwei Jahre haben sich die Kanadier Zeit für das Album genommen und das merkt man. Nicht nur ist die Gruppe, die sich selbst im Punk einordnet, jedoch oft auch ins Alternative abrutscht, experimentierfreudiger, als noch auf dem Vorgänger Dead Silence, sie haben sich die Welt angesehen, den Kopf geschüttelt und dann mit Afraid of Heights ihren Kommentar dazu abgegeben. Mehr noch als sonst werden hier große Themen angesprochen, wie etwa die Flüchtlingskrise, die Waffenlobbys in den USA oder die US-Wahlen und wie man es nunmal von Billy Talent gewohnt ist, sind sie direkt, wütend und haben kein Problem, ihrem Ärger laut und aggressiv Luft zu machen, auch mit über vierzig.

Songs wie Big Red Gun, Ghost Boat Of Cannibal Rats (wohl eine Anspielung auf das russische Schiff, das nur noch von kannibalistischen Ratten bewohnt ziellos im Meer nahe Großbritannien herumziehen soll, ich denke die Metapher ist klar), Horses & Chariots und This Is Our War ziehen alle Kaliber und klagen bissig die sozialen, politischen und gesellschaftlichen Missstände an, mit denen wir heute konfrontiert sind. Obwohl die Gruppe sich dabei hauptsächlich auf Amerikanisch-Kanadische Politik beziehen, kann man als Europäer in den Texten von letzteren beiden nicht anders, als sich zu identifizieren. Die politische Spaltung ganzer Länder durch populistische Politiker ist nun mal in Zeiten wie diesen kein amerikanisches Phänomen und Billy Talent schafft es, einen kämpferischen Protest zu formulieren, der über die konkreten Fälle hinausgehen kann.

Doch es wäre nicht Billy Talent, wenn zwischendurch, quasi zur Auflockerung, nicht mal ein bisschen Spaß sein dürfte. So findet sich in der Verschnaufpause etwa ihre ganz eigene Hymne an klassische, „handgemachte“ Rockmusik Louder Than The DJ, was eine besondere Ironie in die Platte bringt, da die Band sich bereits ein paar Titel weiter an Synthesizern versucht und es damit schafft, ihrem eignen, schwer verwechselbaren Sound eine neue Tiefe zu geben.

So aggressiv und wütend das Album auch ist, das bereits mit einem gestreckten Mittelfinger verglichen wurde, es gibt sich und dem Zuhörer Raum um zu verdauen. Ruhigere Nummern, wie Leave Them All Behind runden das Album genauso ab, wie February Winds, eine vorerst unscheinbare Nummer, die sich jedoch schnell zu einer der ausdrucksstärksten des ganzen Albums herausstellt, wenn man einen Blick auf den Text wirft, der sich mit den Flüchtlingsschicksalen  und der Reaktion des Westens darauf beschäftigt.

Ein Protestalbum hat Billy Talent da produziert, in einem Alter, in dem man nichts neues mehr erwarten würde. Jeder Titel ist sein eigener Aufruf, aktiv zu werden und etwas an dem zu ändern, wie es gerade ist und für das zu kämpfen, was einem wichtig ist. Das, was viele Musiker bereits aufgegeben haben, nämlich eine klare Message in ihre Arbeit zu verpacken, ist den Kanadiern mit Afraid Of Heights gelungen, ohne ihren ganz eigene Klang hinter dem Text zurückzunehmen.

Dass die Gruppe inzwischen schon seit beinahe einem Vierteljahrhundert besteht, hält sie offensichtlich nicht davon ab, sich weiterzuentwickeln, neues auszuprobieren und noch einmal unter Beweiß zu stellen, was Punkrock auch heute noch kann.

Wer jetzt Lust bekommen hat, kann sich hier gleich zum Album weiterklicken: